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UN ACTOR SE AUTOPREPARA
EL ENTRENAMIENTO ACTORAL
Un curso orientado a personas y estudiantes que quieran entrenar las herramientas básicas del actor de forma constante: mente, cuerpo y emoción.
El entrenamiento actoral es una práctica integral psicofísica y contínua que combina el desarrollo técnico de la voz y el cuerpo con el autoconocimiento, la imaginación y la gestión emocional. Busca preparar al intérprete para reaccionar de forma auténtica, vulnerable y precisa en escena, utilizando métodos de improvisación y análisis de texto.
Entrenar la mente para el teatro implica desarrollar la concentración, la memoria emocional, la rapidez mental y la presencia escénica, convirtiendo la mente en una herramienta flexible y enfocada.
Entrenar la mente es tan crucial como el entrenamiento físico o vocal, y requiere una práctica constante para que la respuesta sea automática en el escenario.
Entrenar el cuerpo para teatro requiere desarrollar conciencia, flexibilidad y expresividad mediante técnicas de relajación, calentamiento articular y el uso de la energía. Se basa en la alineación corporal, el trabajo del centro energético y la exploración de tensiones (niveles) para lograr un cuerpo neutro capaz de transformarse en cualquier personaje.
Entrenar la emoción en teatro requiere conectar el cuerpo, la voz y la memoria sensorial para reflejar estados complejos. Técnicas clave incluyen la respiración profunda para liberar tensiones, la improvisación, el uso de «bancos de imágenes» o recuerdos personales, y el análisis empático de las circunstancias del personaje. La emoción debe ser "física", pasando por gestos y entonación vocal.
El actor tiene que saber manejar las emociones para usarlas a su servicio sin que éstas se desborden y acaben controlándote a ti.
Los niveles son:
1.-Calentamiento. Etapa de motivar a una concentración total.
2.-Desinhibición. Etapa de dinámicas de desinhibición e integración grupal.
3.-Dinámica de grupo. Aquí nos interesamos por el lenguaje y rol del grupo, ya que se inicia la sesión desde la persona del alumno y vamos integrando para conformar un grupo, para luego convertirlo en equipo.
4.-Improvisaciones. Ejercitamos dinámicas para manejar los imprevistos dados en cada situación o evento.
5.-Dramatizaciones. Son las acciones o argumentos dados a los alumnos para evaluar su capacidad organizativa, analítica, sintética y creativa del drama.
6.-Forum. Es la dinámica de opiniones que se realiza al final de la sesión. Aportes o sugerencias de los alumnos.
7.-Ensayo. Cuando iniciamos un montaje teatral tenemos nuestro espacio de ensayos de una breve obra dramática.
1. Llegar a la hora establecida al taller de teatro.
2. Saludar al profesor dentro y fuera del aula.
3. Respetar al profesor y compañeros de clase.
4. Cumplir oportunamente con los trabajos asignados.
5. Traer material de trabajo cuando se requiera.
6. No interrumpir durante la sesión de clase, pida la palabra.
7. Mantener el orden y disciplina dentro y fuera del taller de teatro.
8. No usar celulares en el aula.
9. No hay permiso a los servicios higiénicos ya que hay un tiempo prudencial (45 minutos antes de cada sesión)
10. Justificar a Tiempo sus inasistencias y permisos.
11. Las evasiones del taller de teatro son sancionadas.
12. Participar de las actividades artísticas de la institución educativa como parte del taller de teatro.
13. Traer siempre agenda y cuaderno de trabajo con la sesión a desarrollar en el día.
14. Ser creativo, dinámico y original.
¿QUÉ ES EL MÉTODO?
El método es una secuencia ordenada del proceso de creación, regido por tres principios vitales: peso, respiración y equilibrio. Consta de dos etapas: entrenamiento físico y entrenamiento dramático. Cada una de ellas tiene a la vez cuatro fases: calentamiento, aprendizaje, construcción, improvisación.
ETAPAS
El estudio pormenorizado y detenido de las naturalezas física y mental le ha permitido al grupo desarrollar un número ilimitado de reglas y ejercicios, cuya síntesis continúa y es puesta en práctica en el Laboratorio.
Entrenamiento Físico. Los automatismos en la voz y el cuerpo son educados. Investigamos nuestras dificultades desde la consciencia de nuestro peso, respiración y equilibrio.
Entrenamiento dramático. El texto, el guion dramático, las emociones y las historias intervienen. Hay que saber combinar lo físico y dramático, especialmente durante las tres primeras fases. Es recién en la fase de la Creación o Improvisación, donde se incorporan las experiencias y vivencias personales para la construcción de un personaje.
FASES
Cada etapa consta de cuatro fases, que responden a estados sucesivos de todo proceso natural. Nadie crea sin haber calentado, aprehendido y construido.
1. Calentamiento
La concentración. El actor debe procurar reconectarse de manera individual y colectiva con su columna vertebral para lograr una disposición de su cuerpo-herramienta para las siguientes etapas. Comienza en el aprendizaje del peso, equilibrio y respiración a través del trabajo analítico sobre el propio cuerpo. Es la base del calentamiento individual y colectivo, que permitirá un estado de concentración ideal.
El calentamiento se logra mediante el cumplimiento de ejercicios precisos que permitan contribuir al estiramiento y relajación de la espina dorsal, sobre los principios básicos.
Su objetivo primordial es encontrar las resistencias impuestas por la fuerza de gravedad en la búsqueda del equilibrio, y lograr un cuerpo libre o consciente.
2. Aprendizaje
La segunda fase promueve en el actor la confrontación y el cuestionamiento entre su grado de consciencia y el dominio de las naturalezas física y mental, utilizando los ejercicios físicos aprendidos de las diversas disciplinas artísticas y los ejercicios recreados o creados por ellos mismos.
Esta etapa procura que el actor avance hacia su auto-conocimiento y aprenda a APRENDER, es decir con todo el cuerpo. Aquí aprendemos para comprender.
3. Construcción
La tercera fase impulsa al actor a iniciar una secuencia de acciones que le será útil como herramienta fija en la profundización rigurosa de su naturaleza física. Aquí se tiene en consideración que la precisión física facilita el análisis y control de las naturalezas mental y emocional, como un estímulo o un obstáculo.
El objetivo de la construcción de la secuencia es vencer los automatismos cotidianos a través del uso de una técnica extra-cotidiana. La secuencia física se convierte en la herramienta fundamental para el futuro trabajo artístico y para un auto-conocimiento del trabajo del actor, como ser humano.
4. Creación o Improvisación
La cuarta fase permite que el actor intente ir más allá de sus límites físicos, emocionales y/o mentales, poniendo a prueba su capacidad de riesgo, confianza y concentración en el uso de la imaginación.
Aquí se busca experimentar dialécticamente con los límites y las posibilidades creativas. No se puede improvisar con lo que no se conoce. Es imposible llegar a esta etapa de manera eficiente sin haber pasado por las anteriores.
OBJETIVOS
El objetivo del método es dominar la improvisación como la cúspide de la creación individual y colectiva. La improvisación como recurso técnico de alta calidad. Solo se improvisa con lo que se conoce o se ha investigado rigurosamente. La improvisación sin disciplina es caos, arbitrariedad.
El texto, las imágenes, los objetos, los vestuarios, ejercicios creativos y espectáculos son utilizados por los actores para adquirir la posibilidad máxima de libertad creativa, que hará de él un actor independiente consciente de todas sus posibilidades expresivas: un mejor ser humano.
ACOTACIONES FINALES
El método de investigación del actor o de ser humano tiene que ensayarse tanto en el trabajo individual más riguroso como en la confrontación social de sus capacidades, es decir, en el trabajo colectivo.
Es útil recordar que no se postula el dogma de su método sino que lo propone como una sistematización que tiene como objetivo la comprensión de un proceso personal y colectivo. Por ello no se puede esperar que las etapas tengan un orden inamovible, por cuanto son reglas. Todas son susceptibles de cambios, de acuerdo a su evolución. Su capacidad de transformación tiene que garantizar su efectividad. Lo único que permanece es la naturaleza con sus principios físicos. La naturaleza psíquica y mental es aún un universo que tiene mucho por enseñarnos.
En la confrontación con “otras culturas” no propone una estética, ni siquiera una idea de teatro. Solo comparte un proceso de aprendizaje para que el aprendiz exprese su “propio Teatro”, utilizando al máximo su potencialidad creativa. Nuestra propuesta de profesionalidad es una herramienta para la libertad.
El método está centrado en:
La crítica a los movimientos mecánicos de la vida cotidiana
El estudio de los roles mecánicos que asumimos en la vida cotidiana para mentir:
“El aprendizaje de las acciones”
El estudio del comportamiento extra-cotidiano del cuerpo
Una técnica para comprender el uso del cuerpo
El uso del cuerpo en el estado psicofísico de la actuación
La construcción de un uso extra-cotidiano del cuerpo
Los principios éticos y leyes físicas que coinciden en todas las culturas teatrales
La construcción de un método individual y colectivo para la creación
El cuerpo como salud y el teatro como un arte sano
La búsqueda de la verdad a través de la acción orgánica
CURSOS DE TEATRO NIVEL INICIACIÓN PARA ACTORES SIN EXPERIENCIA
- EJERCICIOS DE RELAJACIÓN
- REALIZAR EJERCICIOS DE IMPROVISACIÓN
- DESARROLLANDO EL MOVIMIENTO Y LA VOZ
- PRECISANDO LOS RASGOS DEL PERSONAJE
- ACTUANDO CON TUS EMOCIONES
- LA INTERPRETACIÓN DEL PERSONAJE.
- ACTÚA Y REACCIONA.
- MONÓLOGOS Y ESCENAS CORTAS.
- INTRODUCCIÓN AL CUERPO Y LA VOZ
- EXPRESIÓN CORPORAL.
- IMPROVISACIONES Y CREACIONES.
- SUPERAR BLOQUEOS E INSEGURIDADES: RELAJACIÓN.
- TÉCNICAS DE INTERPRETACIÓN.
- CREAR PERSONAJES.
- ESCENAS ACTUALES
- ESCENAS CONTEMPORÁNEAS.
- MONÓLOGOS Y ESCENAS
- ENTRENAMIENTO EXPRESIVO DEL CUERPO Y LA VOZ,
- ENTRENAMIENTO EMOCIONAL,
EXPERIMENTACIÓN DE ROLES Y MODELOS DE RELACIÓN,
- CONSTRUCCIÓN DE PERSONAJES,
- TRABAJO PURAMENTE INTERPRETATIVO (A TRAVÉS DE IMPROVISACIONES O TEXTOS) ACERCAMIENTOS A LOS PERSONAJES,
- EJERCICIOS DE ESTADO Y ATMÓSFERA,
- EJERCICIOS SOBRE EL ESPACIO, LAS ACCIONES Y LOS OBJETOS,
- ANÁLISIS DEL TEXTO, PROFUNDIZANDO EN LOS PERSONAJES Y SUS RELACIONES, Y CONSTRUCCIÓN DE LA MUESTRA FINAL DE CURSO.
- EL NACIMIENTO DE LOS SISTEMAS. LA ESCUELA RUSA Y STANISLAVSKI
- LOS DISCÍPULOS DE STANISLAVSKI: VAJTANGOV, MEYERHOLD Y CHÉJOV
- EL ACTOR ÉPICO: BERTOLT BRECHT Y LA NARRATIVA DE LA OBRA
- LA REVOLUCIÓN AMERICANA: EL MÉTODO
- LOS NUEVOS CAMINOS EN FRANCIA: COPEAU Y LECOQ
- EL CUERPO LLEVADO AL LÍMITE: GROTOWSKI Y BARBA
PRÁCTICAS INTERPRETATIVAS:
- LECTURA DEL GUION
- TÉCNICAS DE MEMORIZACIÓN
- BREVE TRABAJO DE MONÓLOGOS
- CÓMO SEGUIR DESARROLLANDO TÉCNICAS ACTORALES
PARA TODOS LOS CURSOS:
Inicio de clases: Primera semana de cada mes.
Frecuencia: Una vez por semana.
Duración:
Básico: 1 mes.
Intermedio: 1 mes.
Avanzado: 1 mes.
Profesor: Juan Carlos Villalobos
Dirigido a:
Jóvenes y adultos (a partir de los 15 años de edad).
-Acercamiento al texto teatral a través de técnicas de improvisación
Materiales:
• Ropa cómoda para realizar los ejercicios.
A final de curso se realiza una clase abierta al público en la misma escuela, dónde se mostrará lo aprendido durante el curso en una pequeña muestra, la cual es totalmente voluntaria.
JUAN CARLOS VILLALOBOS
DIRECTOR PEDAGOGO TEATRAL.